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jeudi, 16 mai 2019

Marilyn, Warhol et quelques autres

Marilyn, immortel sujet d'inspiration

 

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David Gonzalez - Smile now

 

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Paul Raynal - Souvenir de New York

 

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Nemo Jantzen

  

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Ben Heine

 

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Fab Ciraolo - Source

 

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Andrew Leipzig - Marylin balletVoir d'autres détournements d'Andew Leipzig

 

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Ron English

 

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Andy Warhol - Marilyn - 1964 (Pop Art)
Voir la galerie Pop Art

 

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Andrew Leipzig - Voir d'autres détournements d'Andew Leipzig

 

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David LaChapelle - Warhol's amanda as Marilyn - 2002
Voir d'autres photos de David LaChapelle

 

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Pauline Boty - The only blonde in the world - 1963 (Pop Art)

 

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Rotella - Marilyn - 1963 (Nouveau réalisme)

 

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Rancillac - Marilyn - (Figuration narrative) Voir la galerie Figuration Narrative

 

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Antonio de Felipe - Kiss for Marilyn amarilla - 2003 (Nouveau Pop)

 

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Bernard Pras - Marilyn - 1998 - Anamorphose

 

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dimanche, 12 mai 2019

Pop Art

Le Pop Art, simple témoin de la société de consommation

 

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Robert Rauschenberg - Untitled, combine painting -  1955 

 

Le contexte du populart art

Le pop art, forme abrégée de popular art, désigne une production artistique britannique et américaine inspirée par la culture populaire entre 1955 et 1970. Ce style, perçu comme l'art impérialiste américain, présente un constat simple de la consommation (stéréotypes, stars, nourritures, etc.).
Facilement reconnaissable, le pop art minimise l'expression personnelle, intègre l'environnement et s'exprime dans l'art, la musique et la danse.

Il constitue un véritable phénomène de société, reçoit un large accueil et se démarque de l'imagerie hermétique et des accents passionnés de l'expressionnisme abstrait.
La pratique du ready-made et du happening, prolongement des spectacles dadaïstes, place le pop art dans la lignée de Dada et le mouvement reconnaît Robert Rauschenberg comme précurseur avec sa série des combine paintings.

Les caractéristiques plastiques du Pop art

Les artistes expérimentent les procédés techniques les plus récents de l'industrie et du commerce : la peinture acrylique, le collage sur toile de matériaux étrangers à la peinture, et la sérigraphie.
La figuration s'inspire de la publicité, des magazines, de la télévision et de la bande dessinée (comics). Les peintres ne distinguent pas le bon du mauvais goût. L'art témoigne du monde moderne quotidien des objets ménagers, de la publicité, des vedettes et du rebut.
Les peintres utilisent le cadrage frontal et les vues perspectives. Les toiles apparaissent simples et lisibles. Les personnages et les objets sont parés de couleurs vives et souvent dissonantes de la publicité et donnent une nouvelle approche de la réalité.
(Comprendre et reconnaître les mouvements dans la peinture. Page 172)

 

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Eduardo Paolozzi - Real gold - 1949

 

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Jasper JohnsTarget with 4 faces - 1955 

 

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Richard HamiltonJust what is it that makes today's homes so different, so appealing ? - 1956

 

 

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Jasper JohnsThree flags -  1958

 

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James Rosenquist - I love you with my Ford - 1961

 

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Roy Lichtenstein - Blam - 1962

Roy Lichtenstein emprunte le style pictural des bandes dessinées populaires américaines (comic strips) : couleurs criardes, procédés industriels d'impression mis en valeur (on voit la trame), onomatopées. Il est élu "plus mauvais peintre de l'année" par la revue Vogue, ce qui illustre l'ambiguïté du pop art, Andy Warhol ayant lui-même commencé sa carrière comme graphiste publicitaire dans cette revue. Le détournement du style BD est pourtant une trouvaille. (Télérama hors série)

 

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Tom Wesselmann - Nature morte N°30 - 1962

 

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Pauline Boty - The only blonde in the world - 1963  Voir d'autres Marilyn

 

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Robert Rauschenberg - The Tracer - 1963

 

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Andy WarholMona Lisa - 1963

Voir d'autres citations et détournements de la Joconde

 

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Robert RauschenbergWinward -  1963

 

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Tom WesselmannBaignoire N°3 - 1963

 

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Richard Linder - The Street - 1963

 

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Andy WarholMarylin - 1964 Voir d'autres Marilyn

 

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Robert Rauschenberg - Retroactive I - 1964 

 

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Evelyne Axell - Ice cream -  1964 

 

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Ronald Kitaj - Ohio gang -  1964 

 

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Mel Ramos - 1965

 

 

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Tom WesselmannGreat american nude - 1965

 

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Robert Indiana - 1966

 

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Richard Linder - Ice - 1966

 

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George Segal - Movie house - 1966-1967

 

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Tom Wesselmann - Smoker1 (Mouth 12) - 1967

 

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Andy Warhol - Electric chair - 1967

 

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Wolf Vostell - Miss America - 1968

 

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Tom Wesselmann - Bedroom painting #8 - 1968

 

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Allen Jones - Table - 1969

 

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Mel Ramos - Coca Cola - 1972

 

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Roy Lichtenstein - Still life with cristal bowl - 1973

 

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Mel Ramos - Touche boucher - 1973

 

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Andy Warhol - Skull - 1976

 

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Andy Warhol - Russell Means - 1976 (sioux Oglala, leader de l'American Indian Movement)

 

 

D'autres exemples du Pop Art sur mon Pinterest

 

samedi, 20 avril 2019

Magritte, la rhétorique des images

Magritte

"Chacun des tableaux de Magritte est un rébus où se jouent des figures de rhétorique, des déconstructions de signes, des ambivalences entre l'image et le mot... Son art est fait de collages déconstructifs." Pierre Sterckx

 

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Le jokey perdu - 1926

 

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Le faux miroir - 1928

 

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Les amants - 1928  Voir la galerie Le Baiser dans l'art

 

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La trahison des images - 1928-1929

 

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La condition humaine - 1935

 

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Clairvoyance - 1936

 

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La durée poignardée - 1939

 

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L'appel des cimes - 1942

 

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L'appel des sommets - 1942

 

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Les valeurs personnelles - 1952

 

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Golconde - 1953

 

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L'Empire des lumières - 1954

"Pour moi, la conception d'un tableau, c'est une idée d'une chose ou de plusieurs choses, qui peuvent devenir visibles par ma peinture. Il est entendu que toutes les idées ne sont pas des conceptions de tableaux. il faut qu'une idée soit suffisamment stimulante pour que je m'applique à peindre la chose ou les choses dont j'ai eu l'idée. La conception d'un tableau, c'est-à-dire l'idée, n'est pas visible dans le tableau. Une idée ne saurait être vue par les yeux. Ce qui est représenté dans un tableau, c'est ce qui est visible, c'est la chose ou les choses dont il a fallu avoir l'idée. Ainsi, ce qui est représenté dans le tableau l'Empire des lumières, ce sont les choses dont j'ai eu l'idée, c'est-à-dire, exactement, un paysage nocturne et un ciel tel que nous le voyons en plein jour. Le paysage évoque la nuit et le ciel évoque le jour. Cette évocation de la nuit et du jour me semble douée du pouvoir de nous surprendre et de nous enchanter. J'appelle ce pouvoir la poésie."

 

 

Publié dans Art du XXe siècle | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : art, magritte, surréalisme, rhétorique des images |  Facebook | | | | Pin it! | | Dubois Jean-Pierre |

lundi, 15 avril 2019

Keith Haring

Keith Haring - 1958-1990

 

"L’art c’est la vie, la vie c’est l’art"

 

“L’art vit de l’imagination des gens qui le regardent. 
Sans ce contact, il n’y a pas d’art. Je me suis donné le rôle 
d’un faiseur d’images du 20e siècle... Il devient de plus en plus clair pour moi que l’art n’est pas une activité élitiste réservée à l’appréciation de quelques-uns, mais qu’il est là pour tous, et c’est le but vers lequel je continuerai de travailler.” 1984

 

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Work in progress

 

Keith Haring

Body painting - Photo A. Leibovitz

 

"Keith Haring s'est éteint à l'aube du 16 février 1990 des suites du sida. Il n'avait que trente et un ans. Il a laissé une œuvre considérable constituée de dessins et de tableaux, de peintures murales et d'objets peints ainsi que d'innombrables t-shirts et affiches imprimés. Il ne lui a fallu qu'une dizaine d'années pour réaliser cela. A l'époque de sa disparition,quoique jeune encore, Haring était déjà un artiste fêté, reconnu par ses pairs, accepté par les critiques et aimé des enfants.

 

keith haring

 

Durant sa courte vie, il a connu le succès artistique et commercial, devenant l'un des artistes américains dont les œuvres ont été le plus exportées. Il est l'un des rares artistes qui aient su fusionner sa personne et son art. Son label artistique est la ligne, réduite à l'essentiel, qui se développe de diverses manières à l'intérieur de limites fixées au préalable et compte tenu des proportions. Il s'agit toujours d'une ligne continue, guidée par le hasard, une ligne qui devient contour, figure et finalement symbole. La plupart du temps, un coup d'œil suffit au spectateur pour enregistrer ce qu'il voit et le comprendre. Mais si les œuvres de Keith Haring fascinent, c'est parce qu'il est capable d'allier ce style puissamment graphique à une imagination débordante.

 

keith haring,
Sans titre - 1982 - Peinture vinylique sur bâche de vinyle - 183 x 183 cm

 

haring_radiantbaby1990.jpg

Radiant baby. Créé à l’âge de 21 ans après avoir enseigné l’art plastique à de jeunes enfants. Symbole de vie, de joie et d’espoir pour le futur.

Son œuvre est aussi abondante que variée, aussi bigarrée que sa vie trépidante et visant un objectif précis. Avec son vocabulaire pictural facilement accessible, Haring étudie sur le plan formel diverses orientations stylistiques, dessinant aussi bien des figures réduites à quelques traits que des œuvres recouvrant des surfaces. Sur le plan iconographique, il puise dans un répertoire qui parle sans ambages d'amour et de bonheur, de joie et de sexe, mais aussi de violence, d'exploitation et d'oppression". Alexandra Kolossa

 

keith haring,

 

keith haring,

 

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Sans titre - 1982 - Feutre marqueur et peinture acrylique sur toile trouvée - 244 x 210 cm
Voir d'autres détournements de Mickey

 

keith haring,bowie
Bowie - 1983

 

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Sans titre - 1983 - L'œuvre n'a pas de titre mais évoque une vanité.

 

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Big bad wolf - 1984 - Peinture acrylique sur mousseline 102 x 102 cm

 

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Grace Jones - Body painting - 1984

 

keith haring,vase

 

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Sans Titre - 1985

 

keith haring,
Sans titre - 1985

 

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Crack Down - Poster 56 x 44 cm - 1986

 

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Reproduction du buste du David de Michel-Ange

 

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Sculpture - 1987

 

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Monkey puzzle - 1988

 

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The last rainforest - 1989 - Peinture acrylique sur toile - 183 x 244 cm

 

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Tuttomondo - 1989 - Peinture murale, chiesa di Sant'Antonio, Pise, Italie.

keith haring,autocollant
Stop Aids - Autocollant - 13 x 10 cm - 1989

 

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Unfinished painting - 1989

 

Voir d'autres œuvres de Keith Haring sur mon Pinterest

 



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