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jeudi, 27 janvier 2022

Les Nabis

Les Nabis

Notre génération a toujours cherché les rapports de l'art avec la vie.
Pierre Bonnard

Edouard Vuillard - Deux femmes sous la lampe - 1892

Maurice Denis - Les Muses - 1893

Je crois que l'art doit sanctifier la nature ; je crois que la Vision sans l'Esprit est vaine ; et que c'est la mission de l'esthète d'ériger les choses belles en immarcescibles icônes... Maurice Denis

Pierre Bonnard - Le Peignoir - 1892

L'influence de l'art japonais se manifeste tant dans la stylisation des œuvres que dans le choix des sujets, ou dans le domaine des arts appliqués. Claude Pommereau - Les Nabis et le décor

Le sentiment décoratif est l'essence même, la loi suprême de l'esthétique japonaise. Louis Gonse

Félix Vallotton - Le Ballon - 1899

Edouard Vuillard - Misia à Villeneuve sur Yonne - 1897-99

M. Vuillard est un harmoniste rare ; il sent le charme de l'intimité, l'énigme où semble vivre tout être solitaire. Edmond Cousturier

Edouard Vuillard - Au lit - 1891

Félix Vallotton - Chemin sous la pluie - 1914

Félix Vallotton - La Liseuse - 1922

Pierre Bonnard - Nu en contre-jour - 1908

Félix Vallotton - La loge de théâtre - 1909

Voir la galerie les Impressionnistes

mercredi, 26 janvier 2022

Clair-obscur

Le Clair-obscur

Clair-obscur : équilibre entre la lumière et l’ombre dans le tableau pour créer le volume et le modelé. On nomme aussi clair-obscur les parties d’ombre pénétrées de lumières.

Dans un tableau, la lumière peut surgir de la couleur ou naître de l'ombre. C'est à Léonard de Vinci que revient l'idée de moduler la lumière sur un fond d'ombre pour suggérer le relief et la profondeur. Mais c'est à Giovanni Bellini (15e siècle) que l'on doit de diffuser ce procédé à Venise. A sa suite, Giorgione et Titien pétriront les couleurs de lumière et d'ombre. Puis Caravage invente un clair-obscur fortement contrasté à des fins expressives qui renouvelle la peinture en se diffusant à l'Europe au 17e siècle : Rembrandt, Vélasquez et La Tour, notamment.

Leonard De Vinci - La Dame à l'hermine - Vers 1490

Giovanni Bellini - Madone à l'Enfant avec les Saintes Anne et Madeleine - Vers 1500

Caravage - L'incrédulité de Saint Thomas - 1601-1602

Caravage - La vocation de St Matthieu - 1599-1600

Juan Sanchez Cotan - Nature Morte - 1602

Manfredi - Mars châtiant Cupidon - 1605-1610

Velàsquez - Vieille femme faisant frire des œufs - 1618

Ribera - Saint Sébastien soigné par Irène - 1628-1630

Rembrandt - La ronde de nuit - 1640-1642

Georges de La Tour - Marie Madeleine avec la flamme fumante - Vers 1640

Voir l'article sur Caravage et le caravagisme

mardi, 25 janvier 2022

Académisme

Académisme - Peintres pompiers

"Le terme d'académisme désigne généralement un style particulièrement fidèle aux enseignements dispensés dans les académies des Beaux-Arts qui fleurissent dans toute l'Europe entre le XVIe et le XIXe siècle. Celles-ci se réclament de l'art classique, considéré comme exemple de perfection insurpassable et, pour cette raison, indispensable à imiter.

Les académies incitent à étudier non seulement les Anciens, mais aussi les grands maîtres du passé qui se sont le plus inspirés des valeurs de l'art classique, comme Raphaël, Guido Reni ou Poussin. Le style académique vise à représenter la beauté idéalisée, pure et parfaite.

Techniquement, il se fonde sur le dessin soigné, sur l'équilibre des formes, sur le choix de sujets érudits et édifiants tirés de la mythologie ou de l'histoire, sur l'usage des couleurs et des nuances en vue d'un rendu qui soit le plus proche possible de la réalité optique. L'académisme impose une peinture "finie", "léchée" achevée jusque dans le moindre détail...

... Les peintres académiques exécutent des œuvres qui ne s'opposent pas aux enseignements du classicisme et qui ne heurtent pas la sensibilité commune, celle du public bourgeois instruit, bien élevé et conventionnel.
Le terme a pris dès les années 1830 une connotation péjorative, synonyme de conservatisme, de manque d'imagination ou de génie, conformément à la conception romantique selon laquelle l'art ne peut s'enseigner.

La peinture académique observait une certaine hiérarchie : elle se consacrait d'abord aux sujets tirés de l'histoire, de la mythologie ou de la grande littérature, puis aux portraits et aux paysages. Au fil du temps, les académies acceptèrent des genres jusqu'alors tenus pour inférieurs, comme la nature morte et la scène de genre."

Daniela Tarabra - Comment identifier les grandes périodes stylistiques - Guide des arts Hazan

Alexandre Cabanel - La Naissance de Vénus - 1863.

Bouguereau - Vénus - 1879.

Voir la galerie Aphrodite alias Vénus

Bouguereau - Premier deuil - 1888.

Moment où Adam et Ève trouvent le corps de leur fils Abel, tué par son frère Caïn.

Bouguereau - La Vierge aux lys - 1899.

Bouguereau - Les nymphes et le satyre - 1873.

Jean Léon Gérome - Pygmalion et Galatée - vers 1890

lundi, 24 janvier 2022

Les catégories et les genres en peinture

Les catégories et les genres en peinture

Cet article est la retranscription condensée du livre "La peinture" dans la série Repères pratiques Nathan. (voir la couverture en bas de l'article)

La peinture d’histoire

Peinture narrative de grand format, s’inspirant de la mythologie, de l’histoire sainte ainsi que des événements historiques.
Jusqu’au 19e siècle, la peinture d’histoire est la peinture par excellence.
Le peintre des sujets historiques traduit la grandeur de la royauté, de l’empire ou de la république.
Il glorifie les faits et les gestes les plus nobles.
Il compose de grandes actions humaines et offre aux spectateurs de brillants sujets dignes d’intérêt.
Peu à peu, la photo témoigne et illustre les grands événements historiques.

Héroïsme et batailles

Antiquité assyrienne et égyptienne : fresques et bas-reliefs - temples et pyramides - batailles et victoires sur les ennemis.
Antiquité gréco-romaine : fresques historiques. Ex. Mosaïque à Pompéi La Bataille d’Alexandre le Grand contre les Perses.
À Rome : exploits des empereurs sur bas-reliefs - arcs de triomphe et colonnes commémoratives (colonne Trajane).
David : Le Serment des Horaces (1784-85)

David : Le Serment des Horaces - Voir l'Exercice d'Arts Visuels N°8 - Composition

Mise en scène de l’histoire

Fin du Moyen-Age : événements religieux (Ancien et Nouveau Testament).
Enluminure - scènes de la vie du Christ et batailles livrées aux Croisades.
Tapisserie de Bayeux - Histoire de la conquête de l’Angleterre par Guillaume le Conquérant (11e siècle)

À partir de la Renaissance la mythologie devient un sujet historique.
Rubens : (1577-1640) Scènes de la vie de Marie de Médicis
David : Bonaparte (Premier consul) franchissant le Grand-Saint-Bernard (1801) Le Sacre de Napoléon 1er
Picasso : Guernica (1937) La plus grande peinture d’histoire du 20e siècle.

Picasso : Guernica - Voir l'article Le Cubisme

La Mythologie

À la fin du Moyen-Âge, les cours européennes redécouvrent l’art de vivre de l’Antiquité.
Les artistes s’inspirent des témoignages de l’art gréco-romain.
L’imaginaire antique est un art puissamment narratif.
Recherche d’un idéal.
Botticelli : Naissance de Vénus (1485) Voir la galerie Aphrodite alias Vénus
Boucher : Vulcain présentant à Vénus des armes pour Énée (1757)
Alexandre Cabanel : La Naissance de Vénus (1863)
Goya : Saturne dévorant ses enfants (1820-1823)
Ingres - Œdipe et l'énigme du Sphinx - 1808 Voir la galerie Le Sphinx

Cabanel : La Naissance de Vénus - Voir la galerie L'Académisme en peinture

Les Allégories

Procédé de personnification ou matérialisation d’une idée morale, philosophique, religieuse, etc. (la Paix, la Liberté, la Justice, ...).
L’allégorie est conventionnelle alors que le symbole est universel.
Nourrice qui donne le sein à des enfants = la Paix (Rubens)
Eugène Delacroix : La Liberté guidant le peuple (1830) Révolte des parisiens.

Voir la galerie Les allégories

Arcimboldo : Le Printemps - Voir la galerie A la manière d'Arcimboldo

La peinture religieuse

Les sujets religieux et les scènes bibliques prédominent dans la peinture jusqu’à la fin de la Renaissance.
La peinture illustre la foi et évoque la présence divine. Les artistes travaillent
au service des différents ordres religieux.

Le retable : tableau, panneau peint ou décoration d’architecture, placé au fond de l’autel, face à l’officiant et aux fidèles.

L’icône : Du grec eikôn, “image”. Peinture religieuse de l’art byzantin et orthodoxe.

La pietà : (Pitié en italien) représentation de la Vierge portant le Christ mort.
Pietà de Giovanni Bellini (1468-71)
Pietà de Michel-Ange (1498-99)
Pietà d’Emmanuel Lambardos. Icône de Bosnie-Herzégovine, palais épiscopal de Tuzla (début 12e siècle)

Voir la galerie Pietàs d'hier et d'aujourd'hui

Enguerrand Quarton : Pietà de Villeneuve-lès-Avignon

La peinture de genre

La peinture de genre est l’une des plus ancienne.
Sur les murs des pyramides et des villas de Pompéi : scènes de chasse, de noces et de banquets.
Peinture évoquant des scènes de la vie quotidienne, simple et populaire : travaux, loisirs, divertissements, ...
Elle raconte la vie des humbles et des anonymes avec parfois des détails pittoresques.
Pieter Bruegel l’Ancien dépeint les mœurs paysannes des villages flamands du 16e siècle : La Moisson, La Danse des paysans, Le Repas de noces (1568).
Frères Le Nain : Famille de paysans dans un intérieur (1642)

Pieter Bruegel l’ancien : Les Noces

La peinture de genre au 19e siècle

Les Réalistes (postulat : le vrai est le beau) :
Courbet : Un enterrement à Ornans (1850), Millet : Les Glaneuses (1857), L’Angélus (1858)

Les Impressionnistes : moulin de la Galette, bals, danseuses, lingères, champs de courses, rues de Paris, ...

Voir la galerie Les impressionnistes

Millet : Les Glaneuses

La peinture galante

Antoine Watteau et Jean-Honoré Fragonard - 18e siècle : caractère frivole et sensuel de la vie des courtisans à Versailles.
Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou (1776-79)

Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou

Le nu

La peinture de nu décrit la beauté formelle du corps humain.
Cette peinture évolue avec les siècles sous différents aspects : historique, religieux, mythologique, ...
Corps idéal représenté dans l’Antiquité, corps réaliste peint au 19e siècle, le nu devient, au 20e siècle, un sujet d’expériences radicales pour les artistes.
L’Antiquité égyptienne applique un modèle géométrique rigoureux : les corps figurés ont tous la même proportion. Les grecs cherchent à retrouver une harmonie parfaite : la beauté d’un corps nu doit être à l’image de la perfection divine (Vénus, Apollon, ...)
L’art de la Renaissance s’inspire directement de ces critères.
Ces conventions du nu classique s’installent durablement jusqu’à la fin du 19e siècle (l’Olympia de Manet 1863 y met fin).

Art gothique d’Europe du Nord : la nudité teintée de christianisme.
Convention : Ève est représentée nue, debout, longiligne, la peau très blanche, les longs cheveux blonds couvrent de petits seins.
Son ventre est rond et gonflé, symbole de fertilité.

Lucas Cranach : Adam et Eve

Époque baroque (Rubens, Rembrandt) : corps humanisé, détaché de la perfection des divinités et de la froideur chrétienne.
Arabesques, volume et couleurs des chairs poussés à l’extrême.
Exaltation exubérante de la chair.
Vélasquez : La Vénus au miroir (1650)

Voir Exposé l'Art baroque

Vélasquez : La Vénus au miroir - Voir la galerie Aphrodite alias Vénus

Impressionnistes et réalistes refusent le bon goût formel et montrent le corps dans sa nudité vraie.
Manet : L’Olympia (1863) et Le Déjeuner sur l’herbe (1863)
A partir de Cézanne le nu devient sujet de nouvelles expériences formelles.
Cézanne : Grandes Baigneuses (1905)
Picasso : Les Demoiselles d’Avignon (1907)

Voir la galerie Photos nus féminins

Édouard Manet: L’Olympia

Le portrait

Le portrait apparaît dès l’Antiquité égyptienne, s’épanouit à la Renaissance, puis devient un genre stable avant de disparaître, supplanté par la photographie.
L’art du portrait est celui de la capture de la ressemblance physique et psychologique du modèle.
Le portrait est religieux ou commémoratif jusqu’au 15e siècle et devient un genre autonome à partir de la Renaissance.
Léonard de Vinci : La Joconde ou Mona Lisa (1503-1506)
Piero della Francesca : Le duc d’Urbino (1464-1466)
Raphaël : Balthazar Castiglione (1515)
Vélasquez : Les Ménines (1656) Trois niveaux de portraits : les personnages, son autoportrait et, dans le miroir, le couple royal.
Goya : Ferdinand VII (1815)

Voir la galerie Portraits

Piero della Francesca : Le duc d’Urbino

L’autoportrait

L’artiste affronte la dualité entre l’imaginaire et la réalité et fait naître sa propre image en miroir.
Il interroge du regard sa propre image et la met en scène.
L’intrusion de l’autoportrait dans l’œuvre peinte est fréquente, voire institutionnelle dans l’histoire de l’art.
Giotto se glisse dans une fresque parmi les donateurs (forme de signature).
Van Eyck se devine dans le miroir des Arnolfini, Raphaël se glisse au milieu de personnalités, Véronèse dans un groupe de musiciens des Noces de Cana.
A partir du 15e siècle, le portrait est l’apanage des grands.
En réalisant son autoportrait, le peintre revendique son statut d’artiste créateur et s’élève au rang des personnes influentes de la société.
Jean Fouquet - Premier Autoportrait (1451)
Dürer - Autoportraits (1493 - 1498 - 1500)
Léonard de Vinci - Autoportrait (1512)

Voir la galerie Autoportrait du 20e siècle

Van Gogh : Autoportrait (1889)

Le paysage

La peinture de paysage représente la nature.
Jusqu’au 15e siècle, le paysage est au service du message religieux.
À partir de la Renaissance, il devient un sujet autonome.
Les peintres l'utilisent pour expérimenter différentes transposition de l’espace.
Corot : Le Pont de Mantes (v.1868)
Millet : Le Printemps (1868-1873)

Corot : Le pont de Narni

La peinture de marine

La peinture de marines se développe dans les pays culturellement attirés par l’image de mer et des bateaux.
Aux Pays-Bas et en Angleterre, le “paysage de la mer” est par tradition une peinture majeure et très populaire. Depuis l’impressionnisme, c’est un genre qui offre à l’artiste une grande liberté d’expression.
William Turner (1775-1851) est le peintre anglais qui formalise le mieux le goût pour l’aventure maritime.
Van de Velde : La mer par temps calme (1658)

Van de Velde : La mer par temps calme

La nature morte

La nature morte se caractérise par l’exclusion de tout être vivant de la surface de la toile.
Ne figurent que des choses immobiles (objets, fleurs, fruits, gibiers) dont l’agencement a été organisé par l’artiste. Il s’agit d’un genre très codifié (valeur symbolique des objets choisis).
À la fin du 19e siècle, la nature morte devient le terrain d’expérience de la nouvelle peinture.
Heda : Le Dessert (1637)
Chardin : La raie (1728)
Cézanne : Pommes et oranges (1895-1900)

Cézanne : Pommes et oranges

Les vanités : Nature morte dont le sujet évoque la relativité des choses de la vie terrestre.
Méditation sur la mort et précarité de l’homme face au temps qui passe (17e siècle).
David Bailly (1584-1657), autoportrait Vanité aux portraits (1651)
Franciscus Gysbrechts, Vanité, deuxième moitié du 17e siècle.

Voir la galerie Vanités

Philippe de Champaigne : Vanité

Les trompe l’œil : “Plus vrai que le vrai”.
Peinture exécutée de manière à faire croire à la présence réelle des objets ou matières reproduits.
Imitation du bois, du marbre, etc. ou simulation d’une architecture, d’une sculpture, d’un objet en trois dimensions.
Van Hoogstaten : Quodlibet “pêle-mêle” (1666)
Franciscus Gysbrechts (1670)
Hans Holbein : Les Ambassadeurs (1533) (anamorphose tête de mort)

Voir la galerie Trompe l'œil

La peinture d’architecture

La peinture d’architecture représente un décor citadin, réel ou fictif.
Très appréciées au 18e siècle par les riches amateurs qui veulent garder la trace de leur passage dans une ville. Ces peintures sont des exercices de perspectives pour les peintres.

Le védutisme

De l’italien vedute “vue”, art du paysage d’architecture à Venise au 18e siècle (Canaletto, Francesco Guardi).
Canaletto : St Marc (1735-1740)

Canaletto : San Marco

La peinture de ruines

Cette peinture évoque la destruction et la marque du temps qui passe.
Robert Hubert - Vue imaginaire de la Grande Galerie du Louvre en ruine (1796)

Voir la galerie Messages de ruines

Robert Hubert - Vue imaginaire de la Grande Galerie du Louvre en ruine

La peinture murale

L’artiste travaille parfois directement sur les murs d’un bâtiment.
Il choisit de s’intégrer naturellement dans l’architecture ou de perturber volontairement l’espace habité : la peinture murale est alors la confrontation entre le pouvoir illusionniste et poétique de l’image et la rigueur fonctionnelle de l’édifice.
Architecture civile et royale. Décoration des édifices religieux.
Pompéi, fresque de la villa de Publius Fannius Sinistor, (-50 -40)

Keith Haring - Tuttomondo - Voir la galerie Keith Haring

Voir l'exercice de comparaison Arts Visuels et Appliqués N°1

Street Art - Graffiti Art

Le Street art ou l’art urbain est un mouvement artistique contemporain.
Ce terme regroupe les artistes de rue qui utilisent l’affiche, le sticker, le pochoir, mais aussi la peinture et les installations dans l’espace urbain.
Ces artistes ont en commun une activité (illégale ou non) d’interventions urbaines.
Ernest Pignon-Ernest : Rimbaud (1978-1979) Naples (1988-1995) Cabines téléphoniques (1997-1999)
Keith Haring (graffiti)
Jérôme Mesnager (silhouette fantomatiques)
Space-Invader (mosaïques inspirées du jeux vidéo)
Miss Tic (pochoir) Voir la galerie Miss Tic

Banksy

La peinture des voûtes et des plafonds

Les voûtes et les plafonds structurent la partie supérieure de l’architecture. Confronté à cette verticalité du point de vue, le peintre représente généralement des ciels fictifs. Les peintres de la Renaissance inventent le style décoratif de la perspective verticale. Illusion d’un espace réel.
- Trompe l’œil de l’époque baroque (Quadratura : perspective illusionniste unissant peinture, sculpture et architecture).
- L’architecture cloisonnée : sans effet de perspective, les tableaux sont peints dans des compartiments et s’intègrent à l’architecture.
Michel-Ange : La Création du monde, voûte de la chapelle Sixtine (1508-1512)
Les Carrache : Voûte de la galerie Farnèse à Rome (1597-1602) Classicisme.
Au 19e siècle
Ingres : Les plafonds du Louvre
Delacroix : Plafonds des bibliothèques du Palais-Bourbon et du Sénat
Au 20e siècle
Georges Braque: Caissons Renaissance du musée du Louvre
Marc Chagall : Plafond de la grande salle de l’Opéra de Paris

Andrea Pozzo : Le triomphe de St Ignace

L’étude documentaire

La contemplation du monde naturel (animaux, plantes, ...) dans un esprit encyclopédique propre à la Renaissance (Dürer, Leonard de Vinci).
Dürer - La grande touffe d’herbes - Aquarelle (1503)

Dürer : La grande touffe d’herbes

L’enluminure et la miniature

L’enluminure

Dessins et peintures illustrant les manuscrits et les livres.
C’est un art coloré, essentiellement médiéval.
C’est dans les îles Britanniques que cet art décoratif prend toute sa force, aux 8e et 9e siècles, sous l’influence de l’art celte.

La miniature

Le mot vient de minium (peinture rouge) avec lequel les moines calligraphiaient la lettre ornementale des manuscrits.
Par extension, peinture de tout petit format (parfois sur bijoux, tabatières, petites boîtes, ...).
Frères Limbourg : Les très Riches Heures du duc de Berry (1416)
Nicolas Hilliard : Jeune Homme adossé parmi les roses (v. 1590)

Les frères de Limbourg : Les Très Riches Heures du Duc de Berry

La peinture - François Giboulet - Michèle Mengelle-Barilleau

Voir la galerie les œuvres clés de l'Histoire de l'art

Voir lexique de l'Histoire de l'art et des Arts plastiques

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Vanités

Vanités - Vanitas vanitatum omnia vanitas

"Vanité des vanités, tout est vanités" (livre de l'Ecclésiaste, Ancien Testament).
Le terme est issu du latin vanitas dérivant de vanus : vide, vain, trompeur, fugace, éphémère.
Memento mori "souviens-toi que tu vas mourir", expression emblématique du stoïcisme.

"Si le terme "vanité" désigne en premier lieu les natures mortes qui ont prospéré à l'ère baroque, il s'applique de façon plus large à toute représentation de la dépouille humaine - crâne, squelette - ayant pour fonction de rappeler le caractère fondamentalement vain de l'existence, sa fragilité, sa fugacité face à l'irréductible réalité de la mort.
L'image du crâne confronte brutalement le spectateur à son destin, sans détour, sans discussion possible. Tout au plus lui fait-on prononcer, comme dans le Dit des trois morts et des trois vifs, poème du XIVe siècle, quelques paroles laconiques : "Nous fûmes ce que vous êtes, vous serez ce que nous sommes". (Manuel Jover - Connaissance des Arts Hors série N°435)

Memento mori - 1e siècle, Pompéi - Voir la galerie L'art de la mosaïque

Gottfried Kneller - Vieillard en méditation, 17e siècle

Philippe de Champaigne - Vanité ou allégorie de la vie humaine, 1646
Voir la galerie Le Clair-obscur

Renard de St André - 1650

David Bailly (1584-1657), autoportrait Vanité aux portraits, 1651

Une inscription sur les vanités (ici le crâne humain, les fleurs, les portraits...) : «vanitas vanitum... et cagnia vanitas», «david bailly fecit N° 1695»).
David Bailly ajoutera à ce jeu de signification le registre supplémentaire du temps dans son autoportrait avec symboles de vanité : à 67 ans il se représente comme le jeune homme qu’il fut autrefois, exhibant le portrait de l’homme âgé qu’il est devenu. La leçon de morale est poussée à son comble quand les peintres mettent en scène la vanité de la peinture dans leurs propres toiles.
«Quelle vanité que la peinture qui attire l’admiration pour la ressemblance des choses dont on n’admire point les originaux!» in Pensées de Pascal (1623 - 1662) (Karine Lanini)

Franciscus Gysbrechts - Vanité, deuxième moitié du XVIIe siècle

Raoul Hynckes - De sleutels van de anachoreet - 1942-1943 .

Picasso - Vanité, 1er mars 1946

Gerhard Richter - Skull with candle, 1983 (painting)

Jana Sterbak - Vanitas : robe de chair pour albinos anorexique - 1987

Voir la galerie Skulls et Têtes de morts

Voir la galerie l'Art des squelettes

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dimanche, 23 janvier 2022

Portraits

Le Portrait

Le portrait apparaît dès l'Antiquité égyptienne, s'épanouit à la Renaissance en Europe occidentale, puis devient un genre stable pratiqué par la plupart des peintres, puis par les photographes.
L'art du portrait est celui de la capture de la ressemblance physique et/ou psychologique du modèle.
(La peinture - Repères pratiques - Nathan)

Fayoum - Jeune garçon - 138 - 161 ap. J.-C.

Jean II "Le Bon" - vers 1359

Fouquet - Charles VII - 1448-1450

Fouquet - Agnès Sorel

L'humanisme de la Renaissance, en valorisant l'homme et l'individu, favorise l'essor du portrait. Ce genre devient autonome. En Italie, les premiers portraits offrent le sujet de profil ; ainsi, Piero della Francesca (v. 1416-1492) représente le duc d'Urbino, dans le portrait Federico da Montefeltro, à l'image des souverains figurés au revers des pièces de monnaie.
(La peinture - Repères pratiques - Nathan)

Piero della Francesca - Duc d'Urbino - 1464-1466

Leonard De Vinci - La Dame à l'hermine - Vers 1490

Voir la galerie Le Clair-obscur

Bellini - Le doge Leonardo Loredan - 1501

Raphaël - Balthazar Castiglione - vers 1515

Le portrait d'un humaniste
Raphaël inscrit le buste de Balthazar Castiglione, vu de trois quarts, dans une composition triangulaire caractéristique de la Renaissance. Si la force du personnage tient à son regard, le triangle, figure stable dans lequel les bras occupent pleinement les deux angles de la base, contribue à cette impression de solidité. Ce portrait incarne l'humanisme de la Renaissance : un homme, que l'on sent pétri d'intelligence et de bonté, ouvre un regard droit tourné vers le monde.
(La peinture - Repères pratiques - Nathan)