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mercredi, 26 janvier 2022

Pop Art

Le Pop Art, simple témoin de la société de consommation

 

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Robert Rauschenberg - Untitled, combine painting -  1955 

 

Le contexte du populart art

Le pop art, forme abrégée de popular art, désigne une production artistique britannique et américaine inspirée par la culture populaire entre 1955 et 1970. Ce style, perçu comme l'art impérialiste américain, présente un constat simple de la consommation (stéréotypes, stars, nourritures, etc.).
Facilement reconnaissable, le pop art minimise l'expression personnelle, intègre l'environnement et s'exprime dans l'art, la musique et la danse.

Il constitue un véritable phénomène de société, reçoit un large accueil et se démarque de l'imagerie hermétique et des accents passionnés de l'expressionnisme abstrait.
La pratique du ready-made et du happening, prolongement des spectacles dadaïstes, place le pop art dans la lignée de Dada et le mouvement reconnaît Robert Rauschenberg comme précurseur avec sa série des combine paintings.

Les caractéristiques plastiques du Pop art

Les artistes expérimentent les procédés techniques les plus récents de l'industrie et du commerce : la peinture acrylique, le collage sur toile de matériaux étrangers à la peinture, et la sérigraphie.
La figuration s'inspire de la publicité, des magazines, de la télévision et de la bande dessinée (comics). Les peintres ne distinguent pas le bon du mauvais goût. L'art témoigne du monde moderne quotidien des objets ménagers, de la publicité, des vedettes et du rebut.
Les peintres utilisent le cadrage frontal et les vues perspectives. Les toiles apparaissent simples et lisibles. Les personnages et les objets sont parés de couleurs vives et souvent dissonantes de la publicité et donnent une nouvelle approche de la réalité.
(Comprendre et reconnaître les mouvements dans la peinture. Page 172)

 

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Eduardo Paolozzi - Real gold - 1949 - Voir la galerie le Collage dans l'art

 

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Jasper JohnsTarget with 4 faces - 1955 

 

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Richard HamiltonJust what is it that makes today's homes so different, so appealing ? - 1956

Voir la galerie le Collage dans l'art

 

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Jasper JohnsThree flags -  1958

 

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James Rosenquist - President elect - 1960-1961

 

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James Rosenquist - I love you with my Ford - 1961

 

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Roy Lichtenstein - Blam - 1962

Roy Lichtenstein emprunte le style pictural des bandes dessinées populaires américaines (comic strips) : couleurs criardes, procédés industriels d'impression mis en valeur (on voit la trame), onomatopées.
Il est élu "plus mauvais peintre de l'année" par la revue Vogue, ce qui illustre l'ambiguïté du pop art, Andy Warhol ayant lui-même commencé sa carrière comme graphiste publicitaire dans cette revue.
Le détournement du style BD est pourtant une trouvaille. (Télérama hors série)

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Roy Lichtenstein - Taka Taka - 1962

 

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Tom Wesselmann - Nature morte N°30 - 1962

 

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Pauline Boty - The only blonde in the world - 1963  Voir d'autres Marilyn

 

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Robert Rauschenberg - The Tracer - 1963

 

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Andy WarholMona Lisa - 1963

Voir d'autres citations et détournements de la Joconde

 

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Robert RauschenbergWinward -  1963

 

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Tom WesselmannBaignoire N°3 - 1963

 

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Richard Linder - The Street - 1963

 

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Andy WarholMarylin - 1964 Voir d'autres Marilyn

 

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Robert Rauschenberg - Retroactive I - 1964 

 

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Evelyne Axell - Ice cream -  1964 

 

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Ronald Kitaj - Ohio gang -  1964 

 

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Mel Ramos - 1965

 

 

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Tom WesselmannGreat american nude - 1965

 

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Allen JonesLes Lèvres - 1965

 

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Roy LichtensteinGrrrrrrrrrrr ! - 1965

 

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Robert Indiana - 1966 - Voir la galerie All you need is love

 

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Richard Linder - Ice - 1966

 

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George Segal - Movie house - 1966-1967

 

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Tom Wesselmann - Smoker1 (Mouth 12) - 1967

 

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Andy Warhol - Electric chair - 1967

 

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Eduardo Paolozzi - Secrets of Internal Combustion Engine - 1967

 

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Wolf Vostell - Miss America - 1968

 

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Tom Wesselmann - Bedroom painting #8 - 1968

 

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Allen Jones - Table - 1969

 

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Axell Evelyne - Le Val vert - 1971

 

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Mel Ramos - Coca Cola - 1972

 

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Mel Ramos - Vantage cigarettes - 1972

 

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Roy Lichtenstein - Still life with cristal bowl - 1973

 

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Andy Warhol - Mao - 1973

 

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Andy Warhol - Brigitte Bardot - 1974

 

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Mel Ramos - Touche boucher - 1973

 

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Andy Warhol - Skull - 1976

 

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Andy Warhol - Russell Means - 1976 (sioux Oglala, leader de l'American Indian Movement)

 

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Roy Lichtenstein - Tintin reading - 1993

 

Voir la galerie Figuration narrative

 

 

lundi, 24 janvier 2022

Les catégories et les genres en peinture

Les catégories et les genres en peinture 

 

Cet article est la retranscription condensée du livre "La peinture" dans la série Repères pratiques Nathan. (voir la couverture en bas de l'article)

 

La peinture d’histoire 

Peinture narrative de grand format, s’inspirant de la mythologie, de l’histoire sainte ainsi que des événements historiques.
Jusqu’au 19e siècle, la peinture d’histoire est la peinture par excellence.
Le peintre des sujets historiques traduit la grandeur de la royauté, de l’empire ou de la république.
Il glorifie les faits et les gestes les plus nobles.
Il compose de grandes actions humaines et offre aux spectateurs de brillants sujets dignes d’intérêt.
Peu à peu, la photo témoigne et illustre les grands événements historiques. 

Héroïsme et batailles 

Antiquité assyrienne et égyptienne : fresques et bas-reliefs - temples et pyramides - batailles et victoires sur les ennemis.
Antiquité gréco-romaine : fresques historiques. Ex. Mosaïque à Pompéi La Bataille d’Alexandre le Grand contre les Perses. 
À Rome : exploits des empereurs sur bas-reliefs - arcs de triomphe et colonnes commémoratives (colonne Trajane).

David : Le Serment des Horaces (1784-85) 

 

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David : Le Serment des Horaces - Voir l'Exercice d'Arts Visuels N°8 - Composition

 

Mise en scène de l’histoire 

Fin du Moyen-Age : événements religieux (Ancien et Nouveau Testament).
Enluminure - scènes de la vie du Christ et batailles livrées aux Croisades.
Tapisserie de Bayeux - Histoire de la conquête de l’Angleterre par Guillaume le Conquérant (11e siècle) 

À partir de la Renaissance la mythologie devient un sujet historique.
Rubens :  (1577-1640) Scènes de la vie de Marie de Médicis
David : Bonaparte (Premier consul) franchissant le Grand-Saint-Bernard (1801) Le Sacre de Napoléon 1er
Picasso : Guernica (1937) La plus grande peinture d’histoire du 20e siècle. 

 

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Picasso : Guernica - Voir l'article Le Cubisme

 

La Mythologie 

À la fin du Moyen-Âge, les cours européennes redécouvrent l’art de vivre de l’Antiquité.
Les artistes s’inspirent des témoignages de l’art gréco-romain.
L’imaginaire antique est un art puissamment narratif.
Recherche d’un idéal.
Botticelli : Naissance de Vénus (1485)  Voir la galerie Aphrodite alias Vénus
Boucher : Vulcain présentant à Vénus des armes pour Énée (1757)

Alexandre Cabanel : La Naissance de Vénus (1863)
Goya : Saturne dévorant ses enfants (1820-1823) 
Ingres - Œdipe et l'énigme du Sphinx - 1808  Voir la galerie Le Sphinx

 

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Cabanel : La Naissance de Vénus - Voir la galerie L'Académisme en peinture

 

Les Allégories 

Procédé de personnification ou matérialisation d’une idée morale, philosophique, religieuse, etc. (la Paix, la Liberté, la Justice, ...).
L’allégorie est conventionnelle alors que le symbole est universel.
Nourrice qui donne le sein à des enfants = la Paix (Rubens) 
Eugène Delacroix : La Liberté guidant le peuple (1830) Révolte des parisiens.
 


Voir la galerie Les allégories

 

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Arcimboldo : Le Printemps - Voir la galerie A la manière d'Arcimboldo

 

La peinture religieuse 

Les sujets religieux et les scènes bibliques prédominent dans la peinture jusqu’à la fin de la Renaissance.
La peinture illustre la foi et évoque la présence divine. Les artistes travaillent
au service des différents ordres religieux. 

Le retable : tableau, panneau peint ou décoration d’architecture, placé au fond de l’autel, face à l’officiant et aux fidèles. 

L’icône : Du grec eikôn, “image”. Peinture religieuse de l’art byzantin et orthodoxe. 

La pietà : (Pitié en italien) représentation de la Vierge portant le Christ mort.
Pietà de Giovanni Bellini (1468-71)
Pietà de Michel-Ange (1498-99)
Pietà d’Emmanuel Lambardos. Icône de Bosnie-Herzégovine, palais épiscopal de Tuzla (début 12e siècle) 


Voir la galerie Pietàs d'hier et d'aujourd'hui

 

Pietà de Villeneuve-lès-Avignon Enguerrand Quarton

Enguerrand Quarton : Pietà de Villeneuve-lès-Avignon 

 

La peinture de genre 

La peinture de genre est l’une des plus ancienne.
Sur les murs des pyramides et des villas de Pompéi : scènes de chasse, de noces et de banquets.
Peinture évoquant des scènes de la vie quotidienne, simple et populaire : travaux, loisirs, divertissements, ...
Elle raconte la vie des humbles et des anonymes avec parfois des détails pittoresques.
Pieter Bruegel l’Ancien dépeint les mœurs paysannes des villages flamands du 16e siècle : La Moisson, La Danse des paysans, Le Repas de noces (1568).
Frères Le Nain : Famille de paysans dans un intérieur (1642) 

 

Pieter Bruegel l’ancien (1525-1569) Flamand Les Noces 1565

Pieter Bruegel l’ancien : Les Noces

 

La peinture de genre au 19e siècle 

Les Réalistes (postulat : le vrai est le beau) :
Courbet : Un enterrement à Ornans (1850), Millet : Les Glaneuses (1857), L’Angélus (1858)

Les Impressionnistes : moulin de la Galette, bals, danseuses, lingères, champs de courses, rues de Paris, ...


Voir la galerie Les impressionnistes

 

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Millet : Les Glaneuses

 

La peinture galante 

Antoine Watteau et Jean-Honoré Fragonard - 18e siècle : caractère frivole et sensuel de la vie des courtisans à Versailles.
Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou (1776-79)

 

Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou

Jean-Honoré Fragonard : Le Verrou

 

Le nu 

La peinture de nu décrit la beauté formelle du corps humain.
Cette peinture évolue avec les siècles sous différents aspects : historique, religieux, mythologique, ...
Corps idéal représenté dans l’Antiquité, corps réaliste peint au 19e siècle, le nu devient, au 20e siècle, un sujet d’expériences radicales pour les artistes.
L’Antiquité égyptienne applique un modèle géométrique rigoureux : les corps figurés ont tous la même proportion. Les grecs cherchent à retrouver une harmonie parfaite : la beauté d’un corps nu doit être à l’image de la perfection divine (Vénus, Apollon, ...)
L’art de la Renaissance s’inspire directement de ces critères.
Ces conventions du nu classique s’installent durablement jusqu’à la fin du 19e siècle (l’Olympia de Manet 1863 y met fin). 

Art gothique d’Europe du Nord : la nudité teintée de christianisme.
Convention : Ève est représentée nue, debout, longiligne, la peau très blanche, les longs cheveux blonds couvrent de petits seins.
Son ventre est rond et gonflé, symbole de fertilité.

 

Lucas Cranach, Adam et Eve

Lucas Cranach : Adam et Eve

 

Époque baroque (Rubens, Rembrandt) : corps humanisé, détaché de la perfection des divinités et de la froideur chrétienne.
Arabesques, volume et couleurs des chairs poussés à l’extrême.
Exaltation exubérante de la chair.
Vélasquez : La Vénus au miroir (1650) 


Voir Exposé l'Art baroque

 

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Vélasquez : La Vénus au miroir - Voir la galerie Aphrodite alias Vénus

 

Impressionnistes et réalistes refusent le bon goût formel et montrent le corps dans sa nudité vraie.
Manet : L’Olympia (1863) et Le Déjeuner sur l’herbe (1863)
A partir de Cézanne le nu devient sujet de nouvelles expériences formelles.
Cézanne : Grandes Baigneuses (1905) 
Picasso : Les Demoiselles d’Avignon (1907) 

Voir la galerie Photos nus féminins

 

Édouard Manet, L’Olympia
Édouard Manet: L’Olympia

 

Le portrait 

Le portrait apparaît dès l’Antiquité égyptienne, s’épanouit à la Renaissance, puis devient un genre stable avant de disparaître, supplanté par la photographie.
L’art du portrait est celui de la capture de la ressemblance physique et psychologique du modèle.
Le portrait est religieux ou commémoratif jusqu’au 15e siècle et devient un genre autonome à partir de la Renaissance.
Léonard de Vinci : La Joconde ou Mona Lisa (1503-1506)
Piero della Francesca : Le duc d’Urbino (1464-1466)
Raphaël : Balthazar Castiglione (1515)
Vélasquez : Les Ménines (1656) Trois niveaux de portraits : les personnages, son autoportrait et, dans le miroir, le couple royal.
Goya : Ferdinand VII (1815) 


Voir la galerie 
Portraits

 

Piero della Francesca : Le duc d’Urbino

Piero della Francesca : Le duc d’Urbino

 

L’autoportrait 

L’artiste affronte la dualité entre l’imaginaire et la réalité et fait naître sa propre image en miroir.
Il interroge du regard sa propre image et la met en scène.
L’intrusion de l’autoportrait dans l’œuvre peinte est fréquente, voire institutionnelle dans l’histoire de l’art. 
Giotto se glisse dans une fresque parmi les donateurs (forme de signature).

Van Eyck se devine dans le miroir des Arnolfini, Raphaël se glisse au milieu de personnalités, Véronèse dans un groupe de musiciens des Noces de Cana.
A partir du 15e siècle, le portrait est l’apanage des grands.
En réalisant son autoportrait, le peintre revendique son statut d’artiste créateur et s’élève au rang des personnes influentes de la société. 
Jean Fouquet - Premier Autoportrait (1451)

Dürer - Autoportraits (1493 - 1498 - 1500)
Léonard de Vinci - Autoportrait (1512) 


Voir la galerie Autoportrait du 20e siècle

 

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Van Gogh : Autoportrait (1889)

 

Le paysage 

La peinture de paysage représente la nature.
Jusqu’au 15e siècle, le paysage est au service du message religieux.
À partir de la Renaissance, il devient un sujet autonome.
Les peintres l'utilisent pour expérimenter différentes transposition de l’espace.
Corot : Le Pont de Mantes (v.1868)
Millet : Le Printemps (1868-1873) 

 

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Corot : Le pont de Narni

 

La peinture de marine 

La peinture de marines se développe dans les pays culturellement attirés par l’image de mer et des bateaux.
Aux Pays-Bas et en Angleterre, le “paysage de la mer” est par tradition une peinture majeure et très populaire. Depuis l’impressionnisme, c’est un genre qui offre à l’artiste une grande liberté d’expression. 
William Turner (1775-1851) est le peintre anglais qui formalise le mieux le goût pour l’aventure maritime.

Van de Velde : La mer par temps calme (1658) 

 

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Van de Velde : La mer par temps calme

 

La nature morte 

La nature morte se caractérise par l’exclusion de tout être vivant de la surface de la toile.
Ne figurent que des choses immobiles (objets, fleurs, fruits, gibiers) dont l’agencement a été organisé par l’artiste. Il s’agit d’un genre très codifié (valeur symbolique des objets choisis).
À la fin du 19e siècle, la nature morte devient le terrain d’expérience de la nouvelle peinture. 
Heda : Le Dessert (1637)

Chardin : La raie (1728)
Cézanne : Pommes et oranges (1895-1900) 

 

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Cézanne : Pommes et oranges

 

Les vanités : Nature morte dont le sujet évoque la relativité des choses de la vie terrestre.
Méditation sur la mort et précarité de l’homme face au temps qui passe (17e siècle).
David Bailly (1584-1657), autoportrait Vanité aux portraits (1651) 
Franciscus Gysbrechts, Vanité, deuxième moitié du 17e siècle. 


Voir la galerie Vanités

 

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Philippe de Champaigne : Vanité

Les trompe l’œil : “Plus vrai que le vrai”.
Peinture exécutée de manière à faire croire à la présence réelle des objets ou matières reproduits.
Imitation du bois, du marbre, etc. ou simulation d’une architecture, d’une sculpture, d’un objet en trois dimensions.
Van Hoogstaten : Quodlibet “pêle-mêle” (1666)
Franciscus Gysbrechts (1670)
Hans Holbein : Les Ambassadeurs (1533) (anamorphose tête de mort) 


Voir la galerie Trompe l'œil

 

La peinture d’architecture 

La peinture d’architecture représente un décor citadin, réel ou fictif.
Très appréciées au 18e siècle par les riches amateurs qui veulent garder la trace de leur passage dans une ville. Ces peintures sont des exercices de perspectives pour les peintres. 

Le védutisme 

De l’italien vedute “vue”, art du paysage d’architecture à Venise au 18e siècle (Canaletto, Francesco Guardi).
Canaletto : St Marc (1735-1740) 

 

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Canaletto : San Marco

 

La peinture de ruines 

Cette peinture évoque la destruction et la marque du temps qui passe.
Robert Hubert - Vue imaginaire de la Grande Galerie du Louvre en ruine (1796) 


Voir la galerie Messages de ruines

 

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Robert Hubert - Vue imaginaire de la Grande Galerie du Louvre en ruine

 

La peinture murale 

L’artiste travaille parfois directement sur les murs d’un bâtiment.
Il choisit de s’intégrer naturellement dans l’architecture ou de perturber volontairement l’espace habité : la peinture murale est alors la confrontation entre le pouvoir illusionniste et poétique de l’image et la rigueur fonctionnelle de l’édifice.
Architecture civile et royale. Décoration des édifices religieux.
Pompéi, fresque de la villa de Publius Fannius Sinistor, (-50 -40) 

 

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Keith Haring - Tuttomondo - Voir la galerie Keith Haring

Voir l'exercice de comparaison Arts Visuels et Appliqués N°1

 

Street Art - Graffiti Art 

Le Street art ou l’art urbain est un mouvement artistique contemporain.
Ce terme regroupe les artistes de rue qui utilisent l’affiche, le sticker, le pochoir, mais aussi la peinture et les installations dans l’espace urbain.
Ces artistes ont en commun une activité (illégale ou non) d’interventions urbaines. 
Ernest Pignon-Ernest : Rimbaud (1978-1979) Naples (1988-1995) Cabines téléphoniques (1997-1999)

Keith Haring (graffiti)
Jérôme Mesnager (silhouette fantomatiques) 
Space-Invader (mosaïques inspirées du jeux vidéo)

Miss Tic (pochoir) Voir la galerie Miss Tic

 

Banksy

Banksy

 

La peinture des voûtes et des plafonds 

Les voûtes et les plafonds structurent la partie supérieure de l’architecture. Confronté à cette verticalité du point de vue, le peintre représente généralement des ciels fictifs. Les peintres de la Renaissance inventent le style décoratif de la perspective verticale. Illusion d’un espace réel. 
- Trompe l’œil de l’époque baroque (Quadratura : perspective illusionniste unissant peinture, sculpture et architecture).

- L’architecture cloisonnée : sans effet de perspective, les tableaux sont peints dans des compartiments et s’intègrent à l’architecture. 
Michel-Ange : La Création du monde, voûte de la chapelle Sixtine (1508-1512)

Les Carrache : Voûte de la galerie Farnèse à Rome (1597-1602) Classicisme.
Au 19e siècle
Ingres : Les plafonds du Louvre 
Delacroix : Plafonds des bibliothèques du Palais-Bourbon et du Sénat

Au 20e siècle
Georges Braque: Caissons Renaissance du musée du Louvre
Marc Chagall : Plafond de la grande salle de l’Opéra de Paris 

 

Andrea Pozzo,Fresque Le triomphe de St Ignace

Andrea Pozzo : Le triomphe de St Ignace

 

L’étude documentaire 

La contemplation du monde naturel (animaux, plantes, ...) dans un esprit encyclopédique propre à la Renaissance (Dürer, Leonard de Vinci).
Dürer - La grande touffe d’herbes - Aquarelle (1503) 

 

Dürer,la grande touffe
Dürer : La grande touffe d’herbes

 

L’enluminure et la miniature 

L’enluminure 

Dessins et peintures illustrant les manuscrits et les livres.
C’est un art coloré, essentiellement médiéval.
C’est dans les îles Britanniques que cet art décoratif prend toute sa force, aux 8e et 9e siècles, sous l’influence de l’art celte. 

La miniature 

Le mot vient de minium (peinture rouge) avec lequel les moines calligraphiaient la lettre ornementale des manuscrits.
Par extension, peinture de tout petit format (parfois sur bijoux, tabatières, petites boîtes, ...).
Frères Limbourg : Les très Riches Heures du duc de Berry (1416)
Nicolas Hilliard : Jeune Homme adossé parmi les roses (v. 1590) 

 

Les frères de Limbourg,Les Très Riches Heures du Duc de Berry,Mois de septembre

Les frères de Limbourg : Les Très Riches Heures du Duc de Berry

 

peinture, repères pratiques
La peinture - François Giboulet - Michèle Mengelle-Barilleau

 

Voir la galerie les œuvres clés de l'Histoire de l'art

Voir lexique de l'Histoire de l'art et des Arts plastiques

 

Vanités

Vanités -  Vanitas vanitatum omnia vanitas


"Vanité des vanités, tout est vanités" (livre de l'Ecclésiaste, Ancien Testament).
Le terme est issu du latin vanitas dérivant de vanus : vide, vain, trompeur, fugace, éphémère. 

Memento mori "souviens-toi que tu vas mourir", expression emblématique du stoïcisme.

"Si le terme "vanité" désigne en premier lieu les natures mortes qui ont prospéré à l'ère baroque, il s'applique de façon plus large à toute représentation de la dépouille humaine - crâne, squelette - ayant pour fonction de rappeler le caractère fondamentalement vain de l'existence, sa fragilité, sa fugacité face à l'irréductible réalité de la mort.
L'image du crâne confronte brutalement le spectateur à son destin, sans détour, sans discussion possible. Tout au plus lui fait-on prononcer, comme dans le Dit des trois morts et des trois vifs, poème du XIVe siècle, quelques paroles laconiques : "Nous fûmes ce que vous êtes, vous serez ce que nous sommes". (Manuel Jover - Connaissance des Arts Hors série N°435)

 

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Memento mori - 1e siècle, Pompéi - Voir la galerie L'art de la mosaïque

 

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Gottfried Kneller - Vieillard en méditation, 17e siècle

 

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Philippe de Champaigne - Vanité ou allégorie de la vie humaine, 1646
Voir la galerie Le Clair-obscur

 

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Renard de St André - 1650

 

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David Bailly (1584-1657), autoportrait Vanité aux portraits, 1651

Une inscription sur les vanités (ici le crâne humain, les fleurs, les portraits...) : «vanitas vanitum... et cagnia vanitas», «david bailly fecit N° 1695»).
David Bailly ajoutera à ce jeu de signification le registre supplémentaire du temps dans son autoportrait avec symboles de vanité : à 67 ans il se représente comme le jeune homme qu’il fut autrefois, exhibant le portrait de  l’homme âgé qu’il est devenu. La leçon de morale est poussée à son comble quand les peintres mettent en scène la vanité de la peinture dans leurs propres toiles.
«Quelle vanité que la peinture qui attire l’admiration pour la ressemblance des choses dont on n’admire point les  originaux!» in Pensées de Pascal (1623 - 1662) (Karine Lanini)

 

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Franciscus Gysbrechts - Vanité, deuxième moitié du XVIIe siècle

 

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Raoul Hynckes - De sleutels van de anachoreet - 1942-1943 .

 

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Picasso - Vanité, 1er mars 1946 

 

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Gerhard Richter - Skull with candle, 1983 (painting) 

 

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Jana Sterbak - Vanitas : robe de chair pour albinos anorexique - 1987

 

Voir la galerie Skulls et Têtes de morts

Voir la galerie l'Art des squelettes

 

samedi, 22 janvier 2022

Aphrodite alias Vénus

Aphrodite alias Vénus

Aphrodite pour les Grecs, Vénus pour les Romains, elle est la déesse de la beauté et de l'amour.

"Elle est représentée souvent nue, parfois accompagnée de divers animaux - colombe, moineau, lapins et cygnes - qui constituent sa suite. Ses attributs les plus courants sont la rose, le myrte et la pomme.

Née des flots marins, elle est selon Homère fille de Zeus (Jupiter) et de Dioné.

De son union avec Mars (dieu de la guerre) naît Cupidon. Vénus aime également Adonis.
Enée, héros troyen protégé par la déesse, est le fruit de ses amours avec Anchise.
Lors de l'épisode du jugement de Pâris, Vénus remporte la pomme d'or."

Lucia Impelluso - Dieux et héros de l'Antiquité

 

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Sandro Botticelli - La naissance de  Vénus - 1484-1485

"La figure ailée avec une cape bleue est Zéphir, le vent du printemps qui pousse Vénus vers l'île.
La pose de la déesse, dite "Vénus pudique", provient de la statuaire antique.
La servante qui tend un manteau à Vénus a été identifiée comme une des Grâces ou une des Heures."
Lucia Impelluso

 

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Giorgione (et peut-être Titien) - Vénus endormie - 1510 - École vénitienne

 

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Titien - Vénus d'Urbino - 1538

 

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Lambert Sustris - Vénus avec Amour et Mars - vers 1540 - Maniérisme

"La colombe est l'un des animaux sacrés de Vénus.
Le carquois et l'arc sont les attributs d'Amour, généralement considéré comme le fils de Vénus et Mars.
Au fond du tableau, Mars reconnaissable à son casque et à son armure, s'apprête à rejoindre Vénus."
Lucia Impelluso

 

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Diego Vélasquez - La Vénus au Miroir - 1647-1651

 

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Chasseriau - Vénus anadyomène dite Vénus marine - 1838. 

 

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Alexandre Cabanel - La Naissance de Vénus - 1863. Voir d'autres tableaux académiques.

 

Voir la galerie Vénus modernes

Voir la galerie Le Sphinx

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L'art de la mosaïque

L'art de la mosaïque

 

La mosaïque est un assemblage de petits cubes de pierre multicolores fixés par un mortier et formant un dessin.

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Sortie de l'Arche de Noé - Basilique St Marc - Venise - XIIe siècle

 

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Éros et deux dauphins - Delos - IIe siècle avant J.C.

 

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Rome - Alexandre le Grand - Mosaïque Pompéi 

 

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Sol "non balayé" en mosaïque - Art romain - IIe siècle avant J.-C.

 

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Art Byzantin - Justinien - Mosaïque Ravenne - 6e siècle

Ce qui nous frappe le plus, quand nous visitons les antiques oratoires, les basiliques et les baptistères de Ravenne, c'est précisément cette libération mystérieuse de la lumière, qui se dégage des myriades sans fin de petits prismes d'émail et d'or, qui constituent la trame de ce manteau de mosaïques.
On est presque enclins à croire qu'on a mêlé un peu de lumière du jour à la pâte vitreuse de cette infinité de minuscules petits cubes, pendant qu'on les faisait fondre !
Églises de Ravenne - Giuseppe Bovini (page 4)

 

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San Vitale - Ravenne - VIe siècle

 

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Saint diacre - Détail de la mosaïque absidale - Entre 817 et 824

 

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Teotihuacan - Masque funéraire - IIIe-VIe siècle
Pierre et mosaïque de coquillages et de turquoise 
Voir la galerie Art précolombien

 

 

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jeudi, 20 janvier 2022

Skulls - Têtes de morts

Skulls - Têtes de morts

 

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André Sanchez - AB Irato

 

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Crâne de cristal aztèque  Voir la galerie Art précolombien

 

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Leeza Hooper

 

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I accept it.

 

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Marc Burckhardt

 

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Keith Haring - Sans titre - 1983  Voir la galerie Keith Haring

 

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Niark1 - Cranio

 

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Alain Bellino - Les 4 saisons (l'été)

 

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Mapplethorpe - Skull - 1988

 

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Ali Gullec

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Dennis Mc Nett (wood carving)

 

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Stéphanie Henderson - Next time you see me

 

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Mymutas

 

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Heinritzh - Skulls not dead

 

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Andy Warhol - Skull - 1976 - Voir la galerie Pop Art

 

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Mike Ferrari - Skull with flowers

 

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André Sanchez - El dia de los muertos

 

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Glenn Brown

 

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Jonathan Bergeron

 

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Archie Sheep - 1967

 

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Basquiat - Skull - 1981

 

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Motifs décoratifs d'un autel d'Uxmal  Voir la galerie Art précolombien

 

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Teotihuacan - Seigneur de l'au-delà  Voir la galerie Art précolombien

 

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Crâne de Tezcatlipoca "Miroir-fumant" - XVIe siècle
Pyrite, coquillages et mosaïque de lignite et de turquoise, sur un crâne humain. 
Voir la galerie Art précolombien

 

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Damien Hirst - For the love of God - 2007
Copie en platine d'un crâne du 18e siècle parsemée de 8601 diamants.
Vendue 100 millions de dollars.

 

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Van Gogh - 1886

 

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Haroshi

 

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Rubinstein - Mickey - 2006 - Voir la galerie Têtes de Mickey

 

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Yan Pei-Ming - 2004

 

Voir la galerie l'Art des squelettes

Voir la galerie Vanités 

 

 

lundi, 17 janvier 2022

L'art au service de l'histoire

Quand l'art traite de l'Histoire, de l'Antiquité à nos jours

 

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Voir l'exposé sur l'Art Baroque

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Voir des détournements des tableaux de David

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Le photo-journalisme

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Détournement de la photo de Nick Ut Cong Huynh par Banksy

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Voir l'article Les Catégories et le Genres en peinture

 

dimanche, 16 janvier 2022

Impressionnisme

La peinture impressionniste

La première exposition collective autogérée des peintres impressionnistes a lieu en 1874 chez le photographe Nadar. Lors de cette exposition le critique Louis Leroy se référant au tableau de Monet "Impression, soleil levant", surnomme les peintres d"impressionnistes".
Suivront 7 autres expositions jusqu'en 1886.

 

Claude Monet (1840-1926)

"On ne peut rien peindre si ce n'est l'apparence des choses".

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Monet - Impression, soleil levant - 1872

"Une nouvelle conception du paysage s'épanouit en France à la fin du XIXe siècle, fondée sur la peinture en plein air.
Pour traiter de nouveaux sujets, saisir la lumière, montrer chaque instant d'un jour et chaque jour d'une année comme un moment unique et fugitif, les artistes innovent.
Seules une touche rapide et fragmentée, une couleur aux tons purs et peu mélangés, permettent de restituer, dans l'urgence, les mouvements de la lumière et les variations de l'atmosphère.
"Impressionnistes !" les appellera-t-on par dérision. Par la durée de sa carrière, la qualité et l(abondance exceptionnelle de son œuvre, Claude Monet apparaît comme le plus grand d'entre eux."
L'Histoire de l'Art Vol 19 - L'Impressionnisme - Larousse - page 2161.

 

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Monet - La pie - 1869 - Voir commentaire de Jacques Thuillier

 

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MonetStation St Lazare - 1877 

 

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Monet - Gare St Lazare - 1877 

 

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Monet - Les Meules - 1888

 

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MonetMaisons dans la neige - 1895

 

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MonetNymphéas - 1915

 

 

Édouard Manet (1832-1183)

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Édouard Manet - Monet peignant dans son atelier - 1874

 

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Édouard Manet - Musique aux Tuileries - 1862

 

 

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

"Un matin, l'un de nous manquant de noir, se servit de bleu : l'impressionnisme était né"

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RenoirLe bal du Moulin de la Galette - 1876

 

 

Edgar Degas (1834-1917)

"Je veux être le peintre classique de la vie moderne".

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DegasLe défilé - 1866-1868

 

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Degas - L'Absinthe - 1876  

 

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DegasL'Étoile - 1878  

 

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Degas - Femme à sa toilette - 1886 - Pastel  

 

 

Alfred Sisley (1839-1899)

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SisleyLe pont de Villeneuve la Garenne - 1872  

 

 

Camille Pissarro (1830-1903)

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PissarroLa côte du Jallais, Pontoise - 1867  

 

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Pissarro - Pontoise, colline du Jallais, vue de l'hermitage - 1867  

 

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Pissarro - La place du théâtre français - 1898

 

 

Frédéric Bazille (1841-1870)

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BazilleLa réunion de famille - 1867  

 

 

Berthe Morisot (1841-1895)

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Berthe MorisotBerceau - 1872  

 

 

Mary Cassat (1844-1926)

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Mary CassatLa toilette - 1891-1892

 

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Mary CassatLa partie de bateau - 1894

 

 

Gustave Caillebotte (1848-1894)

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CaillebotteLes raboteurs de parquet - 1875

 

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Caillebotte - Place de l'Europe - 1877

 

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Caillebotte - Boulevard vu d'en haut - 1888

  

 

Joaquin Sorolla (1863-1923)

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Sorolla - Promenade au bord de la mer - 1909

 

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SorollaAprès le bain - 1909

 

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Sorolla - Mère - 1909

 

Voir la galerie Les Nabis

Voir les commentaires du tableau de Claude Monet "La pie"

 

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dimanche, 15 novembre 2020

Les ordres dans l'architecture grecque

Les ordres dans l'architecture grecque


Les ordres sont un système de codification des colonnes et chapiteaux.
L’Antiquité grecque a connu et pratiquée successivement trois ordres : dorique, ionique et corinthien.

 

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Art grec - Temple de Neptune à Paestum - Ordre dorique

 

Voir la galerie Visages antiques

 

 

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mardi, 10 novembre 2020

Bibliographie Histoire de l'Art

Bibliographie recommandée sur l'histoire de l'art.

 

"L’art peut aider à faire prendre conscience de la grandeur qu’on ignore en soi."
André Malraux

 

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Histoire de l'art - E.H Gombrich 

"... l’ensemble de l’histoire de l’art n’est pas le récit d’une marche vers le progrès technique, mais l’histoire d’un enchaînement de variations dans les idées et dans les exigences."

 

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Histoire de l'art - Jacques Thuillier - Voir un extrait
 
 

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Histoire de l'art
L'essentiel de la peinture, de la sculpture et de l'architecture à portée de main !
Patrick Weber - Bernard-Yves Cochain 

 

peinture, repères pratiques

La peinture - François Giboulet - Michèle Mengelle-Barilleau
Voir l'article Les catégories et les genres en peinture issu de cet ouvrage

 

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Dico Atlas de l'Histoire des arts - Christine de Langle

 

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Comment identifier les grandes périodes stylistiques
De l'art roman à l'Art Nouveau
Daniela Tarabra - Voir un extrait

 

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Histoire de l'art et des styles
Architecture, peinture, sculpture, de l'Antiquité à nos jours
Patrick Weber En savoir plus

 

guide de l'art
Guide de l'Art
Peinture, sculpture, architecture du XIVe siècle à nos jours

 

les mouvements dans la peinture

Comprendre et reconnaître les mouvements dans la peinture
Patricia Fride - R. Carrassat - Isabelle Marcadé


comprendre la peinture
Comprendre la peinture - Elisabeth Lièvre-Crosson

Voir un extrait

 

histoire de l'art,puf
Histoire de l'Art - Xavier Barral I Altet

 

la peinture des origines à nos jours
La peinture des origines à nos jours - Anne Kieffer

 

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L'indispensable de la culture générale
La peinture des origines à nos jours - Anne Kieffer

 

histoire de l'art,qcm illustré
Histoire de l'Art - QCM illustré - David Thomisse

 

Voir la bibliographie sur l'Esthétisme et la philosophie de l'art

Voir le lexique de l'Histoire de l'Art et des Arts Plastiques