Allégories artistiques

Les allégories dans l'art

 

L'allégorie est un procédé de personnification, de matérialisation d’une idée morale, philosophique, religieuse...
Elle est conventionnelle, se rapportant à une civilisation, une période déterminée.

 

Bouguereau - L'Ame parentale - 1883  Voir d'autres peintures académiques

 

Fragonard - L'Aurore - 1755-1756

 

Bouguereau - Le Jour - 1884  Voir d'autres peintures académiques

 

Lucas Cranach l'Ancien - Allégorie de la Justice - 1537

  

Delacroix - La Liberté guidant le Peuple - 1830

La Marianne, éminemment érotique, superbement représentée ici par Eugène Delacroix, est une image de pouvoir construite pendant la Révolution de 1830 (les Trois Glorieuses) pour contrecarrer le portrait du roi.

Elle en est l'exact opposé : on passe d'une représentation individuelle à une allégorie. D'un homme à une femme.

Ce corps en mouvement symbolise l'affranchissement, la liberté. La nudité indique la radicalité politique de l'image ...

Plus une Marianne est dénudée, plus elle est à gauche !

Le corps est un sujet politique.

A noter que le mot État a été formé sur le verbe latin "stare", qui signifie "se tenir debout".

  

Giuseppe Arcimboldo - Le Printemps - 1573  Voir la galerie A la manière d'Arcimboldo

 

Rubens - Allégorie de la Paix et de la guerre - 1629  Voir la galerie Art Baroque

Alors que Minerve, la déesse de la sagesse s’explique avec Mars, le dieu de la guerre, une femme qui symbolise la paix presse son sein pour nourrir un enfant. 

 

 Guido Reni - La Charité - 1630

 

Jacques Linard - Les Cinq Sens - 1638 

 

Frans Francken II dit le jeune - Les Cinq sens - 17e s. 

  

Gustav Klimt - Les trois âges de la femme - 1905 

 

Caspar David Friedrich - Les âges de l'homme - 1835 

 

Voir la galeries Les Vanités

 

L'art au service de l'histoire

Quand l'art traite de l'Histoire, de l'Antiquité à nos jours

 

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Le photo-journalisme

Détournement de la photo de Nick Ut Cong Huynh par Banksy

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La Mort de Sardanapale

Delacroix : La Mort de Sardanapale par Élisabeth Lièvre-Crosson

 

Delacroix - La mort de Sardanapale
1827 - Huile sur toile - 3,92 x 4,96 m - Musée du Louvre

 

Le sujet se réfère à la tragédie du poète anglais lord Byron, publiée en 1821 sous le titre de Sardanapalus.
Selon la légende, Sardanapale est un roi assyrien de Ninive (VIIe siècle av. J.-C.) qui vivait à Babylone et dont le nom grec est Assourbanipal.
Delacroix résume ainsi l’histoire : "Lors de la guerre civile, sa ville est cernée. Il décide de mettre le feu à son palais et se couche sur un lit superbe au sommet d’un immense bûcher, puis donne l’ordre d’égorger ses femmes, ses pages, jusqu’à ses chevaux et ses chiens favoris. Aucun des objets qui avaient servis à ses plaisirs ne devait lui survivre."

Le tableau est une évocation de l’Orient qui fascine tout le XIXe siècle. Delacroix donne toute sa démesure à ce théâtre fabuleux.

Le peintre reprend à Rubens (XVIIe siècle) son schéma de composition baroque. Il construit son tableau sur une spirale pour créer l’illusion d’un tourbillon qui se développe en diagonale. La lumière sert de guide. Épargnant Sardanapale, celle-ci descend en faisceau le long du lit et éclaire tragiquement la scène où chaque personnage torturé se d ébat. Les forces qui s’opposent suggèrent l’affolement général. On entre, on sort, on se cabre et on se cambre. La couleur rouge domine tout. Sans peindre de flamme ni de sang, Delacroix suggère avec le rouge le bûcher, la chaleur, le massacre. Victimes entre toutes, les femmes reçoivent toute la lumière.

Lorsqu’il expose ce tableau au Salon de 1827, Delacroix crée un véritable scandale. On lui reproche le désordre, la débauche de couleur, la passion débridée. Comme tous les romantiques, Delacroix pense que l’art doit "remuer les sentiments". Pour Baudelaire, son défenseur, il est "le plus suggestif de tous les peintres." D’emblée hostile au style classique officiel, le peintre n’est pas allé en Italie copier les antiques mais en Angleterre (1825) où il a pu voir le travail sur la couleur de Constable et de Turner, qui transposent à l’huile la technique de l’aquarelle. Il utilise une matière fluide pour les fonds, une pâte épaisse pour les premiers plans et a recours au "flochetage", un procédé qui juxtapose de petites touches de couleur pure sans chercher à respecter les contours des objets. Il peint les ombres en couleurs, joue de leurs contrastes et met en pratique les observations de Chevreul.

Élisabeth Lièvre-Crosson – Comprendre la peinture – Les Essentiels Milan